Chorégraphe

Identifier la structure chorégraphique d’une œuvre de performance en direct. Connaître les séquences, les sections, les pièces et la structure rythmée.

Décrypter la signification des mouvements dans diverses séquences chorégraphiques et interpréter le langage corporel utilisé.

Concevoir des mouvements de voltige pour les artistes lors d’une représentation en direct.

Observer des participants en groupes ou un par un pour identifier leur potentiel. Créer de nouveaux mouvements adaptés pour tirer pleinement parti du potentiel des artistes.

Créer un cadre spécifique pour la recherche, la création et la réalisation d’œuvres artistiques.

Identifier les aspects spécifiques d’une distribution artistique et les émotions suscitées par les transformations physiques des acteurs. Ressentir la charge émotionnelle des séquences chorégraphiques, de la disposition des éléments, de l’utilisation de l’espace. Identifier la courbe émotionnelle.

Analyser et améliorer des mouvements chorégraphiques et physiques, en suivant les instructions du chorégraphe, du directeur artistique, etc.

Prendre en considération d’autres domaines d’expertise ou d’expérience et identifier les éléments pertinents pour votre approche artistique.

Créer des mouvements, des séquences ou des sections de choréographie et les articuler.

Créer des mouvements en définissant des paramètres de recherche physique et en utilisant des aptitudes d’improvisation. Veiller à ce que les danseurs et interprètes comprennent parfaitement les éléments chorégraphiques sélectionnés et utiliser pleinement les qualités uniques de chaque artiste. Développer un vocabulaire basé sur des instructions et sur l’utilisation de mouvements codifiés. Créer un vocabulaire basé sur une signature gestuelle, fondée sur l’improvisation, sur la base de paramètres créatifs et de contraintes de production.

Identifier les mouvements codifiés à utiliser. Utiliser des mouvements codifiés et en faire la démonstration aux artistes exécutants.

Définir votre propre approche artistique en analysant vos travaux antérieurs et votre expertise, en identifiant les éléments de votre signature créative et en commençant par ces réflexions pour décrire votre vision artistique.

Laisser libre cours à l'imagination pour développer de nouvelles œuvres chorégraphiques. Identifier une ou plusieurs idées maîtresses et les développer. Générer du contenu artistique et créer des enchaînements de mouvements. Orchestrer les éléments de l'œuvre et parvenir à sa finalisation.

Identifier les idées principales d'une œuvre de représentation en direct en analysant les enchaînements chorégraphiques et l'importance accordée aux différentes composantes de l'œuvre. Repérer les références de nature littéraire, graphique, philosophique ou scientifique.

Répéter et développer les concepts artistiques, chorégraphiques, dramatiques et interactifs pour les intégrer dans la performance artistique.

Prendre la responsabilité de votre bien-être physique et émotionnel en tant que modèle pour votre groupe. Prendre soin du bien-être de vos participants tout en les guidant dans une séance de danse.

Veiller à ce que les artistes soient bien préparés et accompagnés lors de chaque session de travail. Demander aux artistes de donner leur avis sur les sessions de travail et en tenir compte.

Mettre à jour une œuvre pour remontage ou transposition des œuvres d’un lieu à un autre. Veiller à ce qu’un enregistrement vidéo soit réalisé, que l’intégrité de l’œuvre soit respectée et que les éléments liés à l’œuvre soient conservés.

Réunir une équipe artistique, après avoir identifié les besoins, recherché les candidats, mené les entretiens et s’être conformé aux conditions du projet.

Suivre les événements, les tendances et d’autres évolutions artistiques. Lire les publications artistiques récentes afin de développer des idées et de rester en contact avec les activités artistiques mondiales visées.

Cerner les besoins des artistes, en tenant compte des forces et des faiblesses de chaque artiste, ainsi que des besoins spécifiques pour chaque rôle ou pièce. Prendre en compte la santé et la sécurité des artistes.

Vérifier les aspects techniques de votre espace de travail, des costumes, des décors, etc. Éliminer les dangers potentiels pouvant se présenter dans votre espace de travail ou au cours de votre performance. Intervenir activement en cas d’accident ou de maladie.

Aider l’artiste à répéter ses mouvements de voltige en utilisant les équipements appropriés.

Assumer la responsabilité de la formation permanente et du développement professionnel continu. Suivre des formations pour renforcer et mettre à jour les compétences professionnelles. Déterminer les domaines prioritaires au développement professionnel sur la base d’une réflexion concernant sa propre pratique et en communiquant avec les pairs et les parties prenantes.

Appliquer les règles de sécurité conformément aux formations et aux instructions et sur la base d’une bonne compréhension des mesures de prévention et des risques pour votre santé et votre sécurité.